Per cui la redazione testi composta da Agnese Bellato, Ilaria Faletto, Dafne Foderà, Silvia Gatto, Rossella Placuzzi, Anna Serlenga, Camilla Toso, Carlotta Tringali e presieduta da Andrea Porcheddu e Daniela Sacco ha concordato all’unanimità di assegnare le seguenti menzioni a 5 spettacoli scelti tra quelli presentati al Festival:

–      Menzione per migliore spettacolo italiano: 

attribuito allo spettacolo Nero inferno con la regia di Alessandro Taddei per:

la semplicità dei mezzi utilizzati rispetto all’efficacia della resa scenica; l’attinenza all’attualità; la dimensione etica e politica; il valore laboratoriale, progettuale e di scambio culturale implicati nello spettacolo.

–      Menzione per il migliore spettacolo straniero:

attribuito allo spettacolo Argelino servidor de dos amos con la regia di Andrés Lima per:

la capacità di attualizzare Goldoni facendo emergere la questione dell’immigrazione; le capacità attoriali; la natura spiccatamente e drammaticamente mediterranea dello spettacolo.

–      Menzione per la migliore regia:

attribuito allo spettacolo Morso di luna nuova con la regia di Giancarlo Sepe per:

l’efficacia della resa scenica; la direzione attoriale e il lavoro corale organico; la ricerca sonora; l’uso delle luci.

–      Menzione speciale della critica:

attribuito allo spettacolo Winter Gardens con la regia di Nikita Milivojević per:

la ricerca di una nuova drammaturgia; l’uso di un linguaggio scenico efficace ed essenziale; l’uso pertinente del linguaggio multimediale.

–      Menzione per la migliore drammaturgia:

attribuito agli autori dello spettacolo Ploutos Stefano Ricci e Gianni Forte per:

la capacità di attualizzare Aristofane nella forza ed efficacia del linguaggio satirico; la plasticità della riscrittura che gioca sapientemente con neologismi e la reinvenzione del dialetto romanesco improntato all’immaginario anni ‘60.

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Prima la risposta alla seconda domanda: perché è solo con la pratica che si impara a patirne le conseguenze sulla propria pelle e a prendere coscienza del peso delle parole dette. Se poi la critica è percepita anche dall’opinione pubblica, o almeno da un certo numero di persone, si arriva anche a comprendere quali dinamiche vengono da lei messe in moto, dinamiche sociali, emotive, politiche ed economiche. Quindi solo dopo un periodo di pratica si può cercare una risposta alla prima domanda. Forse però, per arrivare alla soluzione del quesito, è meglio rovesciarlo al negativo: perché non fare critica?

Si può decidere di non esprimere un giudizio per tanti motivi: per codardia, per mancanza di capacità di analisi, per poca fiducia in se stessi, per comprensione nei confronti di chi dev’essere valutato. Ma forse alla base c’è la paura, la paura di giudicare in quanto processo che porta inevitabilmente all’essere giudicati: perché nessuno ama essere oggetto di critiche, anche di quelle mosse con le migliori intenzioni. In fondo siamo tutti permalosi, e sentire che il nostro operato viene analizzato dall’esterno ci scuote, ci intimorisce, perché sappiamo che potremmo non saper ribattere o peggio ancora potremmo accorgerci del vuoto che sta alla base del nostro pensiero.

E la forza del critico sta proprio in questo: nella capacità di esprimere un giudizio e di accollarsi la responsabilità di ciò che afferma; nel tentativo di operare un’analisi obiettiva dell’evento esaminato, considerando tutti i parametri che lo compongono e riuscendo a valutare gli aspetti emotivi e personali con il giusto peso. Sappiamo ormai che l’obiettività ricercata da positivisti e naturalisti è una mera illusione, e questo fa sì che si possa essere ancora più consapevoli dei propri commenti e della loro relatività. Ma si hanno meno certezze, e non è quindi un caso se il ruolo della critica è stato sempre più minimizzato, fino alla sua attuale perdita totale di valore. La paura resta, ma si può quasi definirla una paura positiva, come quella che si prova davanti a ciò che non conosciamo, che blocca inizialmente, ma che può aprire la mente a novità e ad una maggiore consapevolezza.

In un momento storico come il nostro poi, in cui la politica e l’informazione ubriacano gli ascoltatori con discorsi privi di conseguenze pratiche, la critica ha un’altra funzione fondamentale: ridare valore alle parole pronunciate, renderle nuovamente portatrici d’effetti reali, renderle capaci di ferire e sconvolgere, come accadeva in epoche passate, in cui potevano davvero portare alla morte. Certo tali eccessi non sono più augurabili, ma è importante che si ritorni ad una maggiore considerazione delle loro possibilità, perché esse riescano a connettere realmente le varie figure che operano nel campo teatrale, in modo da creare un vero dialogo che faccia crescere e maturare tutte le parti interessate.

Perché fare critica è anche la volontà di capire il lavoro degli altri, di cui parlare con rispetto ma senza indulgenza: è avere la forza di rielaborare il proprio pensiero quando se ne individuano gli errori, senza però seguire motivazioni di comodo; è un modo per scoprire ed esplicitare nuovi collegamenti che aumentino le possibili letture di un evento, senza fare lo sbaglio di imporre la propria opinione. Fare critica è fatica, perché giudicare è difficile quando si comprende come si sia tutti giustificabili e criticabili allo stesso tempo. Ma è una fatica appagante se porta ad uno scambio sincero e ad una crescita personale e collettiva. (Fare critica è tutto questo e forse molto di più…)

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

“Tutto ci ha preso il mare”, dicono le donne vestite di bianco, mogli e madri degli uomini che se ne sono andati. Sulla scena alcune sedie, simbolo di un’attesa senza tempo, istanti immobili, eterni e tragici. Hanno dimenticato tutto le protagoniste dello spettacolo Le donne e il mare, di Enrico Fiore, diretto da Orlando Forioso, basato sulle opere del poeta greco Jannis Ritsos. Le loro voci si sovrappongono, si mescolano ai canti, quelli della tradizione sarda interpretati da Elena Ledda, in un gioco di nostalgia e rassegnazione, ma anche di accettazione della realtà. In fondo, probabilmente, non avevano mai conosciuto i loro mariti e i loro figli. “Noi comandavamo la casa, loro la nave. Ma la nave si muove”, affermano con consapevolezza. La loro forza è la leggerezza, la capacità di scorgere la paura nel volto dell’amato, senza mai farlo capire. Lo sguardo sempre basso proprio per questo, in contrasto con l’orgoglio degli uomini: “Li guardavamo solo quando si giravano di spalle”, confessano.

Un legame troppo forte quello con il mare, che costringe ad abituarsi alle assenze, a non avere più nome, a essere dimenticate, a cambiare i propri abiti. “Il nero è un triste colore”, cantava Pierangelo Bertoli, ne Il pescatore. I vestiti indossati da queste donne, come la loro anima, sono di due tonalità: bianchi fuori e neri dentro. Adesso possono soffrire liberamente, non devono più nascondersi, possono piangere i loro figli e sperare che il cuore diventi di pietra.

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Momenti di nostalgia si alternano così a quelli di disperazione e di odio. Una parola che non dovrebbe essere pronunciata, che fa paura, che sa di vuoto, che è “la cosa più pesante del mondo”. Non ci si può abbandonare all’odio, si resterebbe travolti da un dolore ancora più grande. E, così, le attrici, a una a una, si dirigono verso lo spettatore, scendono dal palco lentamente, perché il ricordo è l’unico modo che l’uomo ha per sopravvivere al dolore. E raccontano dei loro cari, per farli rimanere in vita, perché la vera paura è essere dimenticati. Ricordano come fossero lontani, anche quando erano presenti. Come vivessero in due mondi diversi.

Una narrazione corale, un insieme di individualità che si uniscono per superare una tragedia troppo grande da sopportare. Insieme li faranno rivivere, ricostruiranno la memoria, ritroveranno il mare che hanno dentro. Forse, non erano poi così distanti. Forse la vicinanza, come spesso accade, non permetteva loro di guardarli davvero. E, alla fine, potranno unirsi a loro, almeno idealmente, potranno salutarli per l’ultima volta e augurare loro un buon viaggio. L’ultimo, quello definitivo.

foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Donne che non hanno identità, che non ricordano il loro nome, che continuano ad aggrapparsi ai ricordi di quelle loro vite sospese e dedite all’attesa. Sono queste  le protagoniste dello spettacolo diretto da Orlando Forioso Le donne e il mare, con cui ieri sera si è concluso il festival veneziano al Teatro Piccolo Arsenale. Con abiti che sembrano richiamare l’appartenenza a un ordine religioso, le sagome di queste sette donne vengono delineate dal riverbero delle luci fredde e omogenee che illuminano il fondo della scena, restituendo un’atmosfera onirica. Su una scenografia semplice, dove l’essenzialità di pochi oggetti pone al centro l’attenzione su una dimensione fisica e spirituale, prendono vita i sentimenti e i pensieri di queste figure quasi angeliche. La poesia greca di Jannis Ritsos ritorna attraverso la rielaborazione di Enrico Fiore e trova voce ed espressione in sette attrici eccezionali, che costituiscono un coro esemplare. Maria Grazia Bodio, Lia Careddu, Fulvia Carotenuto, Elena Ledda, Marilena Monti, Isella Orchis e Maria Grazia Sughi sono semplicemente donne che si fanno carico di questa attesa, dimenticando loro stesse, annullandosi, vivendo all’ombra dei propri uomini. Ognuna di loro restituisce piccoli quadri che vedono al centro i propri mariti e i propri figli, figure che trovano una salvezza o un posto nel mondo grazie alle loro parole, ai loro ricordi e che senza non esisterebbero.

Sembra di trovarsi di fronte a un frammento di un coro greco, che richiama pensieri e immagini non di un grande mito, ma di una quotidianità, del semplice vivere. Piccoli e insignificanti momenti della vita di ogni giorno diventano portatori di gioia: le donne tornano con la mente ai volti ispidi dei loro uomini, a quelle bestemmie dette per mascherare la timidezza.È uno stato d’animo che viene anche accompagnato da una fisarmonica, suonata in scena da un’attrice: il suo suono armonioso e allegro porta questi angeli dignitosi a liberare i loro corpi in felici dondolii e in dolci sorrisi.  

foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Ma le donne si abbandonano a tratti a momenti di disperazione causati dall’assenza, dai loro figli cresciuti di cui non rimane nient’altro se non il caro ricordo: di quando la loro carne andava a formarsi dentro il loro stesso corpo, di come avevano bisogno della figura di madre. Questi figli che ora non le chiamano più, lasciano vuoto e dolore; i loro abiti bianchi si rovesciano rivelando un cuore di stoffa nero che avvolge i corpi delle donne, che, a poco a poco cedono al lamento. Ma dopo essersi abbandonate al pianto, subito si risollevano, facendosi forza l’una con l’altra.

Non avendo identità, ogni donna è uguale a chi le sta accanto, tutte provano gli stessi sentimenti e, annullando la propria soggettività, costituiscono una pluralità di voci che in realtà sembra  una soltanto, la stessa.

Il rito teatrale entra nei loro stessi corpi, e viene restituito anche dallo splendido canto straziante di Elena Ledda, che racchiude tutta la liricità dolorosa che solo l’assenza di chi è partito e ha lasciato sole queste donne può creare. Il mare ha portato via i loro cari, ma queste figure femminili non gli riconoscono alcuna colpa e vedono in lui fonte di gioia. Bisogna accettare l’intera vita, sofferenza compresa; come il mare non può essere diviso in parti differenti, e quindi deve essere preso nella sua interezza, così la stessa vita. Queste donne continuano a rimanere in attesa, sperando che il mare porti loro un’altra esistenza, un altro universo. E la loro speranza è così intensa che permette loro di colmare con coraggio una vita fatta di assenza. 

Quante e quante volte si chiederà ancora “cos’è il Teatro?” Quante e quante volte si cambierà risposta… Un’immagine, un colore, una parola. Qualcosa di chiaro e indistinguibile. Una presa di posizione rispetto il mondo, un mondo in risposta ad un altro mondo, una domanda in risposta ad un’affermazione e viceversa…Un quadro.
Esco dallo spettacolo NeroInferno con un’immagine fissa negli occhi. Solo mezz’ora di spettacolo, senza parole, senza azioni, senza attori. L’assenza. Eppure mi è rimasto addosso un mare di emozioni, sensazioni forti, crude, dure; difficili da mandar giù e ancora mi restano imprigionate nelle mani. Ho visto qualcosa di chiaro e preciso, tagliente, disarmato e disarmante. Allora mi alzo, applaudo, sono entusiasta, perché è questo che vorrei dal Teatro. Un’idea, una poetica, una linea chiara da seguire, una traiettoria, coerenza anche nella contraddizione; ma non è quanto vedo ultimamente. Vedo un Teatro troppo concentrato su se stesso, ritorto, articolato e balbuziente. Insicuro nelle sue scelte, e intraprendente in false battaglie. Un Teatro che si gonfia davanti allo specchio senza accorgersi che di là c’è il pubblico dormiente, spesso altrettanto ipocrita e indifferente quanto la scena. 

È in una spoglia domenica pomeriggio, al giro di boa di una Biennale dallo sguardo un po’ spento, che un gruppo modesto, senza troppe pretese lancia un canto nel buio. Una preghiera che risuona come un urlo per delle orecchie pronte ad ascoltare. Non parlo del Gruppo Ponte Radio, per parlare di regia, di scelta progettuale, di scambio interculturale; lascio questo alle recensioni e interviste dei miei colleghi. Ne parlo per l’immagine che ho avuto: un Teatro Disarmato. Non solo per la presenza, così viva, di quei dodici bambini; ma per il mostrasi, con incantato disincanto, di un teatro senza troppe pretese, con un unico obiettivo, un unico colpo ben sferrato che raggiunge lo stomaco e ti lascia con il fiato spezzato. Un’operazione semplice e diretta, che ha tolto l’ovatta dell’abitudine alle orcecchie del pubblico. ( forse perché quando ci sono dei bambini si presta sempre un po’ più d’attenzione.)
Non è il solo, in questa Biennale/Mare nostrum: anche Giancarlo Sepe, con un’operazione pulita e semplice, una regia ben coordinata e organica lascia una traccia, piccola e leggera ma pur sempre una traccia. Morso di luna nuova, non è stato uno spettacolo epocale, non è stato innovativo e dirompente, è stato semplice ma bello. Una storia, tante storie, la forza della memoria espressa in un testo,  in una lingua, l’uso del suono coordinato e scelto con una poetica, senza cadere in melodie scontate o voice-off deprimenti; la scena essenziale ma funzionale che lascia libera l’immaginazione dello spettatore, una poetica dell’illuminazione che trova stile nel semplice colore e nel taglio preciso della luce. Attori che recitano decisi, attori ai quali crediamo…

È incredibile ritrovarsi a parlare di credibilità e fiducia per un numero così esiguo di rappresentazioni, perché  le si darebbe per scontate, quando parliamo di convenzione teatrale, soprattutto a livelli professionali. Ma non c’è niente da fare, si dà per acquisita anche la sincerità del critico, sempre preso a destreggiarsi tra politica e scena nella speranza di sopravvivere: la sincerità diretta ormai è un principio che rasenta l’utopia.
Allora mi ritrovo a parlare di Teatro Disarmato: che non sta per arreso o pacifista. È un teatro che ha abbandonato le armi, ha abbassato le difese, ha rotto il muro e si è mostrato, senza paura dell’errore. Come si sono mostrati i giovani attori di Winter Gardens di Nikita Milivojević, senza paura e senza pretese. Il meccanismo pretesa/attesa è subdolo e corrosivo. Quando un’artista pretende di aver fatto una scoperta o un’innovazione, innesca nello spettatore un’aspettativa che spesso supera il risultato della rappresentazione. La diretta conseguenza è la dissoluzione  dello stupore.  Svanito questo, resta ben poco per catturare l’occhio del pubblico. Provocare lo stupore, è una delle armi più forti che il teatro possa avere, ma non la usa più, o quasi. Lo stupore disarmante, che ha radici fin dai giochi infantili, (il “bubu-settete!” non è forse un gioco di sorpresa/attesa? ) è stato completamente lasciato in disparte. Il teatro si è armato di nomi  vuoti  e già ascoltati, riciclandosi in se stesso, proteggendosi dietro lo scudo di piccole sovvenzioni, gridando alla crisi, alla battaglia contro il sistema e contemporaneamente sfruttandolo a pieno, senza ricavarne un ragno dal buco. Il Teatro Disarmato, non sembra alzare tanto la voce, ma lavora in sordina, nell’impegno quotidiano di piccola formica, senza ascoltare il ronzio costante di quattro vecchie cicale…

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Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Sono a migliaia, ma vivono come esseri invisibili, anonimi, in nero in tanti paesini del Mediterraneo, su tutte le sue coste, senza distinzione. Sono le donne di questo mare, mani consumate e schiene rotte dal lavoro, le rughe che solcano il viso, e i ricordi che riempiono le menti, come ultimo ed unico tesoro rimasto per allietare le lunghe giornate passate su seggiole fuori dai portoni delle case. In Le donne e il mare, per la regia di Orlando Forioso, questi ricordi diventano poesia grazie al testo di Jannis Ritsos, riadattato da Enrico Fiore per creare un corale mediterraneo che racconta proprio di loro, di queste donne. Anche in scena restano anonime, perché il loro canto è quello di tutte le madri che hanno dato alla luce figli, e con tanti sacrifici li hanno cresciuti per poi vederli partire uno ad uno verso il campo di battaglia, o semplicemente un posto di lavoro, e magari questi figli ora sono lontani, o forse morti. Ma l’orgoglio per essere riuscite a dare ai figli un’esistenza diversa dalla loro è più forte della disperazione: queste madri conservano sempre una dignità che ha dell’incredibile, se lo spettatore non ha mai avuto la fortuna di conoscere una di loro.

In scena, ad aprire al pubblico questo universo di piccole e forti esistenze, solo sette donne, vestite di bianco, che parlano tra di loro, ricordano la loro vita, quando erano fanciulle, timide, pudiche; poi sono diventate spose; poi madri; e infine, nonne. Ora non sanno più chi sono, perché sulla spiaggia di gradini e filo spinato in cui si trovano, non c’è più nessuno che le chiami. E, allora, tutto lo spettacolo diviene una semplice attesa, interminabile, straziante in quanto vana, forse anche noiosa per chi non conosce questo mondo di veli neri sul capo e rosari in mano e sulle labbra, recitati ogni giorno per ogni figlio messo al mondo. Quegli abiti neri che tornano solo per un istante in scena, grazie ai costumi di Toni Casalonga e Jerome Casalonga, avvicinano queste madri anonime alla Madre di Gesù. O forse, più semplicemente, è la figura della Madonna che diviene metafora per tutte queste donne, e nel suo dolore di madre la santità lascia il posto a una più vera e comprensibile umanità.

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Il dolore, quando diviene insopportabile, si libera in canto nella voce di Elena Ledda, forte, emozionante, popolare. E tutte le altre attrici (Maria Grazia Bodio, Lia Careddu, Fulvia Carotenuto, Marilena Monti, Isella Orchis, Maria Grazia Sughi), brave e coinvolgenti in questo ruolo anonimo e concreto tutt’altro che semplice,  le si fanno attorno.

Foto di Fabio Bortot, ALvise Nicoletti

Nella solidarietà e nella compassione reciproca la sofferenza si allevia un po’, in un continuo altalenarsi di momenti di bei ricordi, che le fanno sorridere, ed altri di disperazione, che scandiscono la lunga attesa del nulla. Come il movimento di una fisarmonica, quella stessa fisarmonica che è anche in scena, le emozioni attraversano queste donne a ondate, costruendo una melodia a tratti ripetitiva, spesso poetica, che conserva, senza alcuna pretesa di realismo, la verità di queste esistenze, in un lavoro che culla il pubblico in un universo che sembra appartenere al passato ma che, in realtà, esiste ancora in molti angoli di questo mare che è il Mediterraneo.

Suggestioni e emozioni di paura, sofferenza, angoscia; coinvolgimento istintivo e viscerale dello spettatore da parte dell’attore: questo è il Teatro del Lemming.

La legge di Dio opposta alla legge degli uomini; il dolore di una donna – Antigone – che trova inaccettabile e contro ogni diritto umano il rifiuto da parte di un uomo – Creonte –, e delle sue civili leggi, il non poter seppellire il fratello – Polinice –, solo perché nemico della città di cui l’uomo in questione è governatore: questo è Antigone di Sofocle.

Con un’appassionante voglia di provare a capire le ragioni di Antigone e le ragioni di Creonte, ponendo fin dall’inizio al pubblico la scelta di schierarsi da una delle due parti, il Teatro del Lemming ha messo in scena al Teatro Fondamenta Nuove quella che viene definita la tragedia greca per antonomasia. E il pubblico spiazzato davanti alla proposta di abbandonare la platea e quindi la comoda sedia, in quanto parte del teatro destinata a chi sostiene e condivide il pensiero di Creonte, per salire sul palcoscenico, ovvero il luogo di chi sostiene le ragioni di Antigone, immediatamente avverte di non essere solo un immobile spettatore, ma coglie la possibilità di diventare parte attiva della rappresentazione. Solo in pochi hanno avuto il coraggio di trasgredire la legge di Creonte e di sposare apertamente la rivoluzione sovversiva di Antigone; solo in pochi hanno voluto togliere le scarpe e gli accessori, indossare gli abiti e i copricapi delle donne di Tebe, partecipando attivamente, assieme alle tre attrici protagoniste, alla tragedia. Qualcuno forse non si è sentito all’altezza di salire su un palcoscenico e qualcuno magari si vergognava di mostrarsi davanti al resto delle persone rimaste sedute, visto che comunque ciò a cui stavano assistendo era teatro e non la vita vera. A fare da collante tra la vita e il teatro, tra il palcoscenico e la platea, è stato Massimo Munaro, che nelle vesti di regista, drammaturgo, light designer e addetto alle musiche dello spettacolo, nonché interprete della parte di Creonte, ha gestito, come un bravo marionettista, i fili di una rappresentazione costruita sull’imprevedibilità della reazione del pubblico. Fortunatamente per Munaro nessuno ha avuto reazioni fuori dagli schemi da lui previsti, e tutti apparentemente molto coinvolti, hanno lasciato che la messa in scena proseguisse verso la morte di Polinice fino alla morte di Antigone.

Il contatto fisico, che tanto ricerca il Teatro del Lemming, è emblema dell’idea che il teatro possa trasmettere un messaggio che vada al di là della storia raccontata e che sia prima di tutto un’esperienza sensoriale a trecentosessanta gradi per lo spettatore. Il bisogno impellente di provare reali emozioni e fare corporalmente memorabili viaggi all’interno di coinvolgenti ambienti è sintomo del poco rapporto che quotidianamente l’uomo ha con il suo prossimo. Chi ha scelto di rimanere seduto con Creonte certo non ha potuto abbandonarsi all’esperienza tattile di abbracciare la sofferente Antigone e la sua tragedia, ma forse da fuori è riuscito meglio a capire che né Creonte né la celebre eroina hanno ragione. Entrambi sono vittime del loro estremismo.

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti

Scegliere di alzarsi, togliersi le scarpe, salire sul palco, indossare una veste bianca e un velo sul capo. Abbandonare il proprio posto in platea, quel posto che per convenzione tocca agli spettatori, rinunciare a vedere lo spettacolo per “viverlo”, rischiando magari di infrangere qualche legge sulla sicurezza nei teatri, come sottolinea il regista Massimo Munaro, invitando provocatoriamente  a restare seduti.
Forse, se il Teatro del Lemming, artefice di Antigone a Fondamenta Nuove, avesse rivolto la domanda al pubblico prima che questo si impossessasse delle poltrone di platea, molte persone in più avrebbero seguito Antigone. Ma la proposta arriva quando la gente è seduta: e si è ritrovata, così,dalla parte di Creonte, ossia delle leggi, delle normative e della sicurezza quasi senza volerlo: è per andare dall’altra parte, da Antigone, che gli spettatori devono compiere un atto di volontà preciso. Perché se le leggi di Creonte sono chiarissime, mentre Antigone si esprime in una lingua incomprensibile: e bisogna solo fidarsi dei suoi sguardi accorati che pregano di seguirla sul palco.

Antigone sceglie di andare contro Creonte, i vertici del potere, le normative: si muove in nome di un’etica superiore, di un’umanità che non trova spazio nei codici penali. Non rispetta i ruoli, non tace in quanto donna, giovane e senza titoli, non resta seduta. E, infatti, appena lo spettatore sale su quel palco la sensazione di libertà è totale: e, ad accoglierti, come tre vecchie amiche, le attrici Fiorella, Chiara e Diana ti conducono per mano all’interno della storia. Fuori dalla quotidianità, il tempo si dilata e ci si può concedere il lusso di guardarsi dritti negli occhi. Come un patto, suggellato con un giuramento, la solidarietà e la fiducia su quel palco sfidano gli occhi perplessi dei Creonti, che forse non capiscono, forse non condividono, o magari invidiano quell’intimità che si è subito creata sul palco. Ma anche di fronte al disperato appello del figlio Emone, innamorato di Antigone, Creonte resta impassibile e categorico nella sua condanna: Antigone pagherà con la morte l’affronto di aver dato sepoltura al fratello, traditore della Patria. E di nuovo gli spettatori sono invitati a lasciare i loro posti per seguire il destino di Antigone. Ma solo in due colgono l’ultima occasione per poter cambiare idea.
Ed ecco che succede qualcosa di inaspettato: si credeva che restando seduti dalla parte “giusta”, quella di chi non vuole andare contro le leggi, non potesse accadere nulla di invadente perché si è dalla parte di chi “vuole solo guardare.” Ma restare a guardare un’ingiustizia, soprattutto se perpetuata in nome di leggi che si dicono democratiche, è un atteggiamento spregevole, pericolosamente e brutalmente passivo, e merita lo sputo in faccia in cui c’è tutta la disperazione di Emone prima del suicidio.
Un telo, all’improvviso, chiude il palco e divide i due mondi, come due spettacoli separati: Creonte, con i suoi spettatori, non ha accesso al mondo dei morti, alla tomba in cui si sono rifugiati Antigone ed Emone.
E restano a guardare non so cosa: perché in quel momento mi trovavo “dall’altra parte”,  con gli occhi chiusi, mano nella mano con i miei compagni di esperienza. Il buio ci ha fatto coricare vicini, per un po’. Poi un sussurro ci ha richiamato, e un telo mosso su di noi dava il ritmo a un respiro comune, e tutti insieme ci siamo risollevati, aprendo gli occhi. Da dietro il telo si sentiva che la platea era ormai vuota. Erano già tutti fuori dal teatro, forse perplessi, delusi, insoddisfatti: non sempre stare dalla parte di Creonte, dell’obbedienza, dell’abitudine, della sicurezza risulta la scelta migliore, perché si rischia di perdere la propria umanità, la propria libertà e la propria unicità in quanto individuo. E, magari, si perde anche l’occasione per ricevere un abbraccio da Antigone.

Foto di Fabio Bortot, Alvise Nicoletti